domingo, 18 de marzo de 2018

                                   EN EL RCA CON MI AMIGO ANDREU FRESQUET

EXPOSICIÓN DE PATRICIA CANCELO EN EL R.C.A.




                 COMENTARIO EXPOSICION DE PATRICIA CANCELO EN EL RCA
 






Antiguamente se consideraba que la tierra era plana y cuadrada, (filósofos pre pitagóricos); o según algunas creencias, plana y circular como en la mitología Caldea. Pitágoras ya apuntó hacia la redondez de la tierra y posteriormente a partir del siglo XII se comenzó a dar por sentado  que la tierra era redonda y que  giraba en torno a un sistema solar.

 Hoy en día, el ser humano ha descubierto nuevos mundos y nuevas galaxias en el universo, sin embargo levanta muros insostenibles en el planeta que vivimos, que hacen que el hombre no avance en el tiempo y se extralimite a espacios delimitados.



La obra de Patricia Cancelo hace una reflexión del mundo en que vivimos a través de   una línea conceptual que dota a sus esculturas de una interpretación personal del mismo. Su obra, se convierte así en una metáfora de la realidad que nos circunda.

 Los títulos sugerentes contribuyen a enfatizar su discurso conceptual y dan sentido y forma a sus esculturas.



 En su obra “Un mundo al revés”, extrapola la lógica del texto de que nuestro  mundo debería ser redondo para configurar, mediante cuadrados lineales de hierro que se entrecruzan dentro de un cubo, una  especie de meta contexto que pretende reflejar la idea de un mundo al revés. Un poco el mundo en que vivimos.

En otras de sus esculturas, (“Universos en el espacio”) sin embargo, nos muestra la posibilidad de encontrar el camino hacia un mundo mejor, donde la lógica del ser humano se parezca más a un mundo real, circular, sin ambages. Donde el mundo, como representación de los fenómenos humanos, no lo contemplemos como girado, sin rumbo, a la deriva, o al revés. Un mundo donde los espacios sean de todos, abiertos, sin muros (como propone en su obra “Espacios abiertos”).  



Patricia Cancelo por último: convierte la línea en vehículo de expresión, dota al hierro de forma y al espacio en lenguaje y con ello nos invita a la reflexión.



Santial

Dr. en BBAA

11/03/018


jueves, 25 de enero de 2018

Comentario de la exposicion LA NADA EL NO RES de Lo Seres (escrito por Santial)








¡Todo es cuestión de energía! ¡Somos energía!
Nos dicen los físicos, que al fin y al cabo la materia es prácticamente hueca, que está formada por átomos en movimiento, y que estos átomos se componen de un núcleo con cargas energéticas infinitesimalmente pequeñas en su interior. Y con unos electrones en órbita que sólo existen cuando se les observa. En mecánica cuántica «ordinaria», un conjunto de partículas se describe mediante una función de onda, que recoge la probabilidad de encontrar a cada una de estas en un punto dado. Una dualidad, onda- partícula, permite  apreciar cómo un mismo fenómeno puede ser percibido de dos modos distintos. El mundo cuántico por lo tanto se organiza en colectivos de partículas que se agrupan para conformar un campo cuántico….
De la misma manera, la obra de Lo Seres construye un universo de pequeñas partículas de color (esferificaciones), que construyen ondas cuyo resultado es conformar una realidad  que deja entrever aquello oculto que solo se puede ver, (como las hondas cuánticas) si nuestros campos de percepción están abiertos a contemplarlas.
Si en la anterior exposición <<Irrealidades>>  Lo Seres nos permitía explorar el macro  y el micro entre aquello que nuestra mirada percibe como real y aquello que consigue ser una irrealidad o una abstracción, su obra actual nos lleva aún más allá.
En esta nueva colección “LA NADA- EL NO RES” que presenta en la galería Saavedra, Lo Seres  lleva la técnica a una categoría diferente. Las partículas, esferificaciones que configuran la obra, se hacen más grandes, distanciándose así  de aquellas connotaciones técnicas inspiradas en el histórico  puntillismo. Los colores adquieren otra dimensión: se vuelven más puros, luminosos y esenciales. Las figuras tubulares, que como ondas entrecruzadas cerraban  el espacio de representación, “LA NADA”, consiguen abrirse, expandirse, salirse del cuadro para configurar un  contenido que da paso a la expresión y deja entrever aquello que se oculta  o es ocultado dentro de la propia materia, abrazando también la mirada del espectador.
Dicho de otro modo: la idea intelectual se interacciona con el sentimiento para llenar un espacio, “LA NADA” y convertirlo en obra de arte.
En definitiva, se nos presenta una muestra evolucionada, rica en la composición cromática y en el reparto formal de la obra. Todo esto convierte “LA NADA EN UN TODO”, llenando así a la obra de contenido.
Santial
Dr. En BBAA












lunes, 21 de agosto de 2017

El método logra que el artista pueda desarrollar su talento.

El método  logra que el artista pueda desarrollar su talento.

Sainte de Colombe Maestro de  viola de Marin Marais, se refugió en una cabaña que había en su patio para intentar interpretar todo lo que había dentro de el sin usar el recurso de la inspiración de la naturaleza. Al final, se le acabaron los recursos naturales de su memoria y está inspiración.
La teoría conocida como “la muerte del arte” promulgada por Arnold  Hauser, “el arte es la manifestación sensible de la idea” fue entendida por muchos  escritores de la época como tal y comenzaron a pensar que solo el arte que desintegraba la forma podía ser creativo.  (Heinrich Wolflin , Alois Rielg, Conrad Fiedler o  Clement Greeenberg) se postularon por esta manera de pensar y crearon una línea conceptual  en torno al tema.  Culminando así un  pensamiento donde la forma o la estética “per se” cobraría relevancia sobre todo lo demás.
De esta manera, desde  los  primeros impresionistas  hasta las vanguardias se fue deshaciendo la forma y con ello apareció la pérdida del método y del oficio a la cual se refiere Antonio López  cuando afirma: “El gran error del arte contemporáneo es que ha querido destruir la técnica y el oficio”.
Todos los procesos de desintegración de la forma han sido importantes para la evolución del arte durante el siglo XX, pero sin embargo, han producido una confusión en la manera de entenderlo, y sobre todo, según quien lo explique, dificulta aún más su comprensión. Antes, quedaba un remanente importante de escuela y de saber hacer en el campo artístico. Era un punto de partida desde el cual se podía comenzar a hacer arte con responsabilidad, pero normalmente, esto se ha ido perdiendo porque muchos profesores, seguidores de nuevos métodos de enseñanza, repudian el método, afianzándose en un factor sorpresa de la espontaneidad que, generalmente, supedita el valor del proceso artístico al gusto, en contraposición al trabajo bien hecho, con responsabilidad  y contemplando la práctica de todos los conocimientos artísticos.
 Pero además, durante la segunda mitad del siglo XX: el comercio del arte, los galeristas, escuelas y academias, avalaron la idea de que, todo aquello que era mimético o se acercaba a la fotografía no tenía importancia creativa. Por lo tanto, han pensado que en la espontaneidad se encontraba la creatividad ya que cualquier cosa que surgiera de ello, podría entenderse como original, mientras que el ejercicio de una obra creada a través del método no lo era.(2)

(2) El método implica los componentes o herramientas prácticas para el buen hacer como la cuadrícula, las mediciones, el encaje o el uso de procesos fotográficos que albergaba la responsabilidad del buen hacer, pero que convertían el arte (para esta gente) en algo no creativo o artesanal.
Sin embargo, todos estos métodos  logran la perspectiva que  nos permite entender la atmósfera que produce la realidad y sus estadios intermedios para así poder interpretarla y a la vez componer diversas figuras en el marco de la obra a realizar. Un cuadro………Grandes pintores como Durero o Leonardo usaron la cuadrícula y los métodos clásicos para realizar y componer las obras de arte entre otros muchos artistas. Los maestros chinos enseñaban a través del método de círculos concéntricos que encajaban la figura.

Por lo tanto, postular que todo lo que sea mimético o tenga connotaciones figurales basadas en la captación de la realidad o aplicando un método no es arte, a  mi juicio, es una afirmación falsa. Ya que un artista, aunque haga  una foto o use la cuadrícula, los círculos concéntricos o cualquier otro método de medición para trasladarlo al formato definitivo, busca su creatividad en la elección del tema, como lo va a hacer y realizar, como lo compone, cuantos elementos de lo foto pondrá en el mismo.  En definitiva, parte de una idea previa, de un proyecto de cómo va a ser la obra y usa las herramientas modernas (nuevas tecnologías o fotografía) para llevar a término la ejecución de su idea. (3)
(3) Otra cosa es. Que se copie la foto tal cual, incurriendo en la copia  y en  los propios fallos y paralajes de la misma, sin aportar nada nuevo.
Lo otro, ha creado una falsa visión de entender el arte y ha permitido que cualquiera que aprendiera un poco de procedimientos pictóricos y lo hiciera de manera que gustase al otro  ya sabía hacer arte.
La obra figurativa, contiene todo un conocimiento impreso que conforma:
La composición de la obra: perspectiva, encaje, pesos, dinamismo. La factura: saturación del color, textura, cromatismo, armonía. El simbolismo: expresividad, contexto conceptual. La línea expresiva el color etc. Y para realizarla, es  necesario hacer precisas las  mediciones los encajes, y tener todos los conocimientos necesarios, no solamente técnicos, sino también conceptuales, de contexto histórico y de  entorno social.

Por lo tanto, yo entiendo y defiendo que  un artista que se precie, y que tenga todos estos conocimientos  metodológicos, es capaz de realizar mejor arte, ya sea  este de carácter figurativo o abstracto.