lunes, 21 de agosto de 2017

El método logra que el artista pueda desarrollar su talento.

El método  logra que el artista pueda desarrollar su talento.

Sainte de Colombe Maestro de  viola de Marin Marais, se refugió en una cabaña que había en su patio para intentar interpretar todo lo que había dentro de el sin usar el recurso de la inspiración de la naturaleza. Al final, se le acabaron los recursos naturales de su memoria y está inspiración.
La teoría conocida como “la muerte del arte” promulgada por Arnold  Hauser, “el arte es la manifestación sensible de la idea” fue entendida por muchos  escritores de la época como tal y comenzaron a pensar que solo el arte que desintegraba la forma podía ser creativo.  (Heinrich Wolflin , Alois Rielg, Conrad Fiedler o  Clement Greeenberg) se postularon por esta manera de pensar y crearon una línea conceptual  en torno al tema.  Culminando así un  pensamiento donde la forma o la estética “per se” cobraría relevancia sobre todo lo demás.
De esta manera, desde  los  primeros impresionistas  hasta las vanguardias se fue deshaciendo la forma y con ello apareció la pérdida del método y del oficio a la cual se refiere Antonio López  cuando afirma: “El gran error del arte contemporáneo es que ha querido destruir la técnica y el oficio”.
Todos los procesos de desintegración de la forma han sido importantes para la evolución del arte durante el siglo XX, pero sin embargo, han producido una confusión en la manera de entenderlo, y sobre todo, según quien lo explique, dificulta aún más su comprensión. Antes, quedaba un remanente importante de escuela y de saber hacer en el campo artístico. Era un punto de partida desde el cual se podía comenzar a hacer arte con responsabilidad, pero normalmente, esto se ha ido perdiendo porque muchos profesores, seguidores de nuevos métodos de enseñanza, repudian el método, afianzándose en un factor sorpresa de la espontaneidad que, generalmente, supedita el valor del proceso artístico al gusto, en contraposición al trabajo bien hecho, con responsabilidad  y contemplando la práctica de todos los conocimientos artísticos.
 Pero además, durante la segunda mitad del siglo XX: el comercio del arte, los galeristas, escuelas y academias, avalaron la idea de que, todo aquello que era mimético o se acercaba a la fotografía no tenía importancia creativa. Por lo tanto, han pensado que en la espontaneidad se encontraba la creatividad ya que cualquier cosa que surgiera de ello, podría entenderse como original, mientras que el ejercicio de una obra creada a través del método no lo era.(2)

(2) El método implica los componentes o herramientas prácticas para el buen hacer como la cuadrícula, las mediciones, el encaje o el uso de procesos fotográficos que albergaba la responsabilidad del buen hacer, pero que convertían el arte (para esta gente) en algo no creativo o artesanal.
Sin embargo, todos estos métodos  logran la perspectiva que  nos permite entender la atmósfera que produce la realidad y sus estadios intermedios para así poder interpretarla y a la vez componer diversas figuras en el marco de la obra a realizar. Un cuadro………Grandes pintores como Durero o Leonardo usaron la cuadrícula y los métodos clásicos para realizar y componer las obras de arte entre otros muchos artistas. Los maestros chinos enseñaban a través del método de círculos concéntricos que encajaban la figura.

Por lo tanto, postular que todo lo que sea mimético o tenga connotaciones figurales basadas en la captación de la realidad o aplicando un método no es arte, a  mi juicio, es una afirmación falsa. Ya que un artista, aunque haga  una foto o use la cuadrícula, los círculos concéntricos o cualquier otro método de medición para trasladarlo al formato definitivo, busca su creatividad en la elección del tema, como lo va a hacer y realizar, como lo compone, cuantos elementos de lo foto pondrá en el mismo.  En definitiva, parte de una idea previa, de un proyecto de cómo va a ser la obra y usa las herramientas modernas (nuevas tecnologías o fotografía) para llevar a término la ejecución de su idea. (3)
(3) Otra cosa es. Que se copie la foto tal cual, incurriendo en la copia  y en  los propios fallos y paralajes de la misma, sin aportar nada nuevo.
Lo otro, ha creado una falsa visión de entender el arte y ha permitido que cualquiera que aprendiera un poco de procedimientos pictóricos y lo hiciera de manera que gustase al otro  ya sabía hacer arte.
La obra figurativa, contiene todo un conocimiento impreso que conforma:
La composición de la obra: perspectiva, encaje, pesos, dinamismo. La factura: saturación del color, textura, cromatismo, armonía. El simbolismo: expresividad, contexto conceptual. La línea expresiva el color etc. Y para realizarla, es  necesario hacer precisas las  mediciones los encajes, y tener todos los conocimientos necesarios, no solamente técnicos, sino también conceptuales, de contexto histórico y de  entorno social.

Por lo tanto, yo entiendo y defiendo que  un artista que se precie, y que tenga todos estos conocimientos  metodológicos, es capaz de realizar mejor arte, ya sea  este de carácter figurativo o abstracto.